Икона «Нечаянная Радость».
Москва, 1900-е годы.
Серебро 84 пробы, штамп, гравировка, золочение; чеканка, канфарение, просечка.
Дерево, масло.
Размеры: 11,5 × 9,5 см.
Размер киота 17.5х15,5 см.
Киот старинный.
Замечательный образец русского религиозного декоративно-прикладного искусства начала XX века. Икона Божией Матери «Нечаянная Радость» — одного из наиболее почитаемых в православной традиции образов, связанного с темой покаяния и духовного спасения. Композиция воспроизводит канонический сюжет с молящимся грешником перед образом Богородицы с Младенцем.
Оклад изготовлен в Москве в 1900-е годы. На предмете присутствуют клейма пробирного мастера Ивана Сергеевича Лебедкина и фабрики Александра Ивановича Спарышкина — известного московского предприятия золотых и серебряных изделий рубежа XIX–XX веков. Художественное решение отличается тонкой чеканкой, тщательно проработанными складками одежд и выразительным сочетанием золочёных и матированных поверхностей оклада.
Сохранность хорошая. Следы бытования.
Экспертиза МК.
Вальтер Пуршке (Walter Walther Purschke, 1924–2011)
«Еврей-Антиквар»
Германия, Мюнхен. Последняя треть XX века
Холст, масло. Размеры: 80,5 × 70 см
Жанровая композиция известного немецкого художника Вальтера Пуршке — представителя послевоенной мюнхенской академической школы, чьё творчество на протяжении десятилетий было тесно связано с художественной средой Мюнхена. Именно мюнхенская школа с её вниманием к историзму, камерному жанру и тщательной академической проработке оказала определяющее влияние на художественную манеру мастера. Пуршке получил образование в области декоративного искусства и живописи, совершенствовал мастерство у немецких художников академического направления и большую часть жизни работал в Мюнхене, где сформировался его узнаваемый стиль.
Художник известен своими историзирующими и бытовыми сценами, посвящёнными европейскому быту, антикварному миру, купеческим интерьерам и еврейской тематике. Его произведения отличаются тонкой психологической характеристикой персонажей, вниманием к деталям и особой атмосферой старинного европейского интерьера. Работы Пуршке неоднократно появлялись на европейских антикварных аукционах и ценятся коллекционерами за высокое качество исполнения и редкую для второй половины XX века приверженность традициям академической фигуративной живописи.
На картине изображены двое солидных представителей еврейской общины, внимательно изучающие старинный золотой кубок в интерьере антикварной лавки или кабинета коллекционера. Композиция насыщена предметами антиквариата — весами, украшениями, чернильницей, драгоценными сосудами, — создающими атмосферу интеллектуальной и материальной ценности предметного мира.
Работа отличается виртуозной проработкой фактур металла, ткани и дерева, мягкой светотеневой моделировкой и благородным колористическим решением. Контраст красного одеяния центрального персонажа и глубоких тёмных тонов интерьера придаёт сцене выразительность и театральную камерность, характерную для творчества Пуршке.
Экспертиза центр художественной экспертизы имени И. Е. Репина.
Состояние хорошее, имеются незначительные следы бытования, соответствующие времени создания. Произведение представляет коллекционный и музейный интерес как характерный пример мюнхенской жанровой живописи второй половины XX века.
Занятный старинный кабинетный предмет «Шахтер с угольной вагонеткой». Изготовлен неизвестным европейским чугунно-литейным предприятием в конце 19-го века. Сама вагонетка может служить местом для хранения спичек, которые можно зажигать о ребристый край основания.
Антиквариат. Хорошая сохранность. Следы бытования.
Западная Европа. Чугун.
Размеры 13х6,5 см.
Высота 13,5 см.
Общий вес - 925 гр.
Великолепная икона Господа Вседержителя в богатом серебряном окладе. Красивый образ Спасителя исполнен профессионально в академической манере. Мягкая светотеневая моделировка, тонкая проработка черт, сосредоточенность взгляда Христа придают образу особую выразительность и внутреннюю одухотворенность. Колористическое решение, основанное на сочетании темно-красного хитона и синего гиматия, традиционно символизирует единство человеческой и божественной природы Иисуса. Особую художественную ценность представляет серебряный оклад, выполненный в 1894 году в известной московской мастерской Константина Владимировича Демидова. Орнаментальное решение оклада выдержано в стилистике русского модерна: изящные растительные мотивы с плавными линиями образуют ритмичную декоративную структуру, обрамляющую центральный образ. Венец украшен лучеобразным орнаментом. Высокое качество исполнения оклада свидетельствует о профессионализме столичных мастеров, изготовивших его.
Изображения Христа известны со времен появления Византийской Империи. При этом, до сих пор образы Спасителя являются самыми востребованными, так как, согласно христианской традиции, они непременно должны входить в состав как храмовых, так и домашних иконостасов. Так же, без образа Иисуса Христа невозможно составление венчальной пары. При этом, иконография Господа Вседержителя является одной из самых узнаваемых. Важным элементом представленной иконы является жест именословного благословения – знак принадлежности иконописца к русской православной Церкви. Держава и скипетр подчеркивают образ Иисуса как Вседержителя и Царя мира, это довольно редкий, но важный акцент, вошедший в моду с XVIII века.
Подобные изделия ценятся как среди коллекционеров икон, так и среди ценителей русского декоративно-прикладного искусства. Немаловажным будет отметить, что икона демонстрирует хорошую сохранность, а немногочисленные следы бытования подчеркивают ее подлинность. Данный образ в окладе представляет несомненную художественную, историко-культурную и коллекционную ценность.
Икона. Конец XIX века. Россия, Москва.
Дерево, грунт, масло
Оклад. 1894 год. Россия, Москва. Мастерская К. В. Демидова
Серебро 84 пробы; чеканка, гравировка, гильошировка, золочение.
Размер: 29,5 × 24,4 × 4 см
Экспертное заключение НИНЭ имени П.М. Третьякова.
Экспертиза МК.
Редкая кабинетная бронзовая композиция «Зимняя тройка» — выразительный образец русской пластики второй половины XIX века, выполненный по модели знаменитого петербургского скульптора Василия Яковлевича Грачева (1831–1905). Мастер считался одним из лучших русских анималистов и жанровых скульпторов своего времени, сотрудничал с ведущими художественно-бронзовыми и ювелирными фирмами Российской империи, среди которых фабрики и предприятия имевшие звания Придворных Поставщиков Императорского Двора: Карла Фаберже, Ивана Хлебникова, Павла Овчинникова, а также знаменитая бронзолитейная фабрика К. Ф. Верфеля.
Композиция отличается исключительной динамикой и виртуозной проработкой деталей: стремительное движение тройки, пластика фигур, сложная моделировка упряжи и зимних одежд переданы с большой художественной достоверностью. Скульптор мастерски соединяет реалистичность с эмоциональной выразительностью, создавая характерный образ русской зимней дороги — одного из главных символов национальной культуры XIX века.
Произведения В. Я. Грачева находятся в крупнейших музейных собраниях, включая Государственный Русский музей, Государственный Исторический музей и ряд значительных частных коллекций в России и за рубежом. Работы мастера неизменно востребованы на международном антикварном рынке и считаются эталоном русской кабинетной бронзы эпохи историзма.
Данная композиция представляет значительный интерес для коллекционеров русского антиквариата и музейных собраний. Скульптура сохранилась в хорошей коллекционной сохранности, имеет благородную старинную патину и естественные следы бытования, характерные для подлинных бронзовых произведений XIX века, что дополнительно подчёркивает её историческую подлинность и антикварную ценность. Скульптура представляет музейное значение.
«Зимняя тройка»
Санкт-Петербург, 1870–1880-е годы
Бронза, литьё, чеканка, патинирование; камень.
Размеры: 15 × 28,8 × 18 см.
Модель — Василий Яковлевич Грачев (1831–1905).
Фабрика К. Ф. Верфель, Санкт-Петербург.
Историко-культурная атрибуционная консультация выполнена экспертом Международной конфедерации антикваров и арт-дилеров, кандидатом исторических наук Людмилой Ароновной Дементьевой.
Прекрасный старинный натюрморт «Яблоки и пшеничные колосья» — яркое и жизнерадостное произведение известного русского художника Федота Васильевича Сычкова, прославленного мастера жанровой и натюрмортной живописи начала XX века. На полотне изображены рассыпанные на деревянном столе спелые яблоки рядом с золотистыми пшеничными колосьями и плетёной корзиной. Простая сельская композиция наполнена ощущением тепла, изобилия и красоты русской деревенской жизни.
Художник мастерски передает богатство фактур и сочность красок: блеск зрелых яблок, сухую ломкость соломы и мягкое теплое освещение. Живописная манера отличается свободным пастозным письмом, декоративностью и тонким чувством цвета. Натюрморт наполнен внутренней гармонией и ощущением естественной простоты, характерными для лучших произведений мастера.
Автор произведения — Федот Васильевич Сычков (1870–1958), выдающийся русский живописец, академик живописи, известный своими яркими сценами народной жизни, праздничными композициями и натюрмортами. Его творчество занимает особое место в отечественном искусстве первой половины XX века. Произведения художника находятся в крупнейших музейных и частных собраниях.
Представленная работа является характерным образцом натюрмортной живописи художника. Подобные произведения высоко ценятся коллекционерами благодаря узнаваемой авторской манере, декоративности и особой эмоциональной теплоте.
Антиквариат. Отличная сохранность. Следы бытования, соответствующие возрасту.
Картина «Яблоки и пшеничные колосья» имеет несомненное художественное и коллекционное значение.
Россия. 1910 год.
Автор — Федот Васильевич Сычков (1870–1958).
Холст, масло.
Размер — 56,5 × 85 см.
Экспертное заключение: Центр художественной экспертизы имени И.Е. Репина.
Прекрасный «Портрет дамы в белом» — изысканное произведение известного русского художника-портретиста Василия Алексеевича Волкова, исполненное в лучших традициях парадного салонного портрета конца XIX века. На полотне изображена молодая женщина в элегантном белом платье с пышными рукавами и тонкими жемчужными украшениями. В руках она держит веер, а её спокойный взгляд и благородная осанка придают образу особую утонченность и внутреннее достоинство.
Художник виртуозно передает фактуру ткани, мягкость жемчужного блеска и тонкие черты лица модели. Светлый силуэт фигуры эффектно выделяется на глубоком темном фоне, благодаря чему образ приобретает особую выразительность и камерную эмоциональность. Живописная манера отличается тонкостью письма, гармоничным колоритом и вниманием к декоративным деталям костюма и аксессуаров.
Автор произведения — Василий Алексеевич Волков (1840–1907), русский живописец, портретист и акварелист, участник Товарищества передвижных художественных выставок. Художник был известен своими портретами представителей дворянства и интеллигенции, а также историческими и жанровыми композициями. Его произведения сегодня находятся в музейных и частных собраниях, включая Полтавский художественный музей.
Представленная работа является характерным и одним из наиболее выразительных образцов портретного творчества мастера. Вероятно, портрет создавался как семейный или свадебный, что подчеркивается особой торжественностью образа и богатством декоративного решения.
Антиквариат. Отличная сохранность. Следы бытования, соответствующие возрасту. Рама современная.
Картина «Портрет дамы в белом» имеет несомненное художественное, антикварное и коллекционное значение.
Россия. 1895 год.
Автор — Василий Алексеевич Волков (1840–1907).
Холст, масло.
Размер — 126 × 80,5 см.
Экспертное заключение: Центр художественной экспертизы имени И.Е. Репина
Прекрасный старинный русский пейзаж «Пейзаж с церковью» — тонкое и поэтичное произведение известного художника Александра Владимировича Маковского, наполненное ощущением простора, тишины и особой красоты русской природы. На полотне изображено бескрайнее поле с высокой травой и полевыми цветами, уходящее вдаль к небольшой деревне и силуэту сельской церкви на горизонте. Небо с нависающими облаками и мягкий предгрозовой свет создают атмосферу спокойствия и задумчивости.
Художник мастерски передает состояние природы и изменчивость освещения. Живописная поверхность написана свободными, живыми мазками, благодаря чему пейзаж наполнен воздухом и внутренним движением. Богатая зелёно-охристая гамма и тонкие цветовые нюансы придают произведению особую эмоциональную выразительность и лиричность.
Автор картины — Александр Владимирович Маковский (1869–1924), известный русский живописец, пейзажист и жанрист, представитель знаменитой художественной династии Маковских. Художник обучался у И.Е. Репина, В.Д. Поленова и других выдающихся мастеров русской школы живописи. Его произведения экспонировались на крупнейших художественных выставках своего времени, а сегодня находятся в собраниях Третьяковской галереи, Русского музея и многих региональных музеев России.
Представленная работа является характерным примером русской пейзажной живописи конца XIX — начала XX века, в которой художник с большой теплотой и вниманием передает красоту сельской России и настроение природы.
Антиквариат. Отличная сохранность. Следы бытования, соответствующие возрасту.
Картина «Пейзаж с церковью» имеет несомненное художественное, антикварное и коллекционное значение.
Россия. Конец XIX — начало XX века.
Автор — Александр Владимирович Маковский (1869–1924).
Холст, масло.
Размер — 28,7 × 41 см.
Экспертное заключение: Центр художественной экспертизы имени И.Е. Репина.
Прекрасный старинный морской пейзаж «Вид на Гурзуф» — характерное произведение известного русского художника-мариниста Григория Ивановича Капустина, наполненное светом, тишиной и поэтическим очарованием южного берега Крыма. На полотне изображена уютная бухта с пришвартованными парусными лодками у скалистого побережья Гурзуфа. Спокойная морская гладь, прозрачный воздух и мягкое солнечное освещение создают ощущение безмятежности и теплой атмосферы южного приморского дня.
Художник мастерски передает глубину пространства, игру света на воде и характерную красоту крымского побережья. Живописная манера письма с легкими вибрирующими мазками и тонкими цветовыми переходами придает произведению особую воздушность и эмоциональную выразительность. Картина выдержана в благородной голубовато-охристой гамме, характерной для лучших работ мастера.
Автор произведения — Григорий Иванович Капустин (1865–1925), талантливый русский живописец и маринист, работавший в Крыму и Одессе на рубеже XIX–XX веков. В своем творчестве художник испытал влияние крупнейших мастеров русской пейзажной школы — И.К. Айвазовского ( в чьей мастерской ему довелось трудиться ), Ю.Ю. Клевера, Е.Е. Волкова и Г.П. Кондратенко. Его произведения неоднократно воспроизводились в дореволюционной печати, воспроизводились и советских учебниках, а сегодня его работы находятся в музейных и частных собраниях, включая Государственный Эрмитаж.
Представленная работа является характерным образцом творчества художника и прекрасно отражает романтическую традицию русской маринистической живописи конца XIX — начала XX века. Картина обладает высокой художественной и коллекционной ценностью, а также станет выразительным украшением классического интерьера.
Антиквариат. Отличная сохранность. Следы бытования, соответствующие возрасту.
Картина «Вид на Гурзуф» имеет несомненное антикварно-коллекционное значение.
Россия. Конец XIX — начало XX века.
Автор — Григорий Иванович Капустин (1865–1925).
Холст, масло.
Размер — 54,7 × 89,2 см.
Рама современная.
Экспертное заключение: Центр художественной экспертизы имени И.Е. Репина.
Эффектная старинная скульптурная композиция «Триумф победителя» — яркое произведение французской пластики эпохи Ар Деко, наполненное динамикой, героическим пафосом и ощущением торжества человеческой силы. Три полуобнажённые мужские фигуры образуют выразительную многофигурную композицию: двое атлетов поднимают на плечах победителя, увенчанного лавровым венком и высоко возносящего пальмовую ветвь — традиционные символы славы, триумфа и признания.
Скульптура отличается мощной внутренней энергетикой, гармонией движения и великолепной анатомической проработкой фигур. Художник мастерски соединяет античные мотивы с характерной для эпохи Ар Деко лаконичностью форм и декоративной выразительностью. Благородная патина эффектно подчеркивает рельеф мускулатуры и пластическую красоту композиции, а постамент из черного камня придает произведению монументальность и завершенность.
Автор модели — известный французский скульптор Пьер Ле Фаге (Pierre Le Faguays, 1870–1938), один из ведущих мастеров французского Ар Деко. Его произведения пользовались большой популярностью в Европе в 1920–1930-е годы и отличались сочетанием классической пластики, современного ритма и утонченной декоративности. Работы мастера высоко ценятся коллекционерами и представлены во многих частных собраниях.
Композиция создавалась как аллегория спортивной победы и человеческого совершенства, достоинства, что особенно соответствовало спортивной эстетике с её культом силы, красоты, движения и гармоничного тела.
Антиквариат. Отличная сохранность. Благородная патина. Следы бытования.
Скульптурная композиция «Триумф победителя» имеет несомненное антикварное и коллекционное значение.
Франция. Париж. 1920-е гг.
Автор модели — Pierre Le Faguays (1870–1938).
Композитная бронза; литьё, чеканка, патинирование; камень.
Размеры — 64 × 34 × 14 см.
Экспертное заключение: аккредитованный эксперт Международной конфедерации антикваров и арт-дилеров, кандидат исторических наук Л. А. Дементьева.
Великолепная старинная кабинетная скульптура «Мысль» («La Pensée») — эффектная аллегорическая композиция знаменитого французского скульптора Эмиля Луи Пико, наполненная философским смыслом и романтическим пафосом конца XIX века. Крылатый юноша, устремляющий руку к небу, символизирует человеческую мысль, вдохновение и свет познания. В другой руке он держит стрелу — традиционный символ духовного стремления и творческой энергии. У ног фигуры расположена раскрытая книга с именами великих философов и мыслителей прошлого, подчёркивающая преемственность человеческой мудрости и культуры.
Композиция отличается исключительной пластической выразительностью, динамикой и виртуозной моделировкой. Особенно эффектно смотрится сочетание благородной бронзовой патины с основанием из пестрого мрамора, придающим произведению парадность и декоративную завершенность. Скульптура прекрасно отражает эстетику французского академического искусства периода Belle Époque, обращённого к античным и аллегорическим образам.
Автор модели — известный французский скульптор Эмиль Луи Пико (Emile Louis Picault, 1833–1915), один из крупнейших мастеров художественной бронзы своего времени. Его произведения регулярно экспонировались на Парижском Салоне и пользовались большой популярностью среди европейских коллекционеров и ценителей искусства. Работы мастера представлены в музейных и частных собраниях по всему миру.
Подобные композиции традиционно украшали респектабельные кабинеты, библиотеки и парадные интерьеры состоятельных владельцев, а скульптуры такого размера и качества исполнения всегда отличались высокой художественной и коллекционной ценностью.
Антиквариат. Отличная сохранность. Благородная патина. Следы бытования.
Скульптура кабинетная «Мысль» («La Pensée») имеет несомненное антикварное и коллекционное значение.
Франция. Париж. 1890-е гг.
Автор модели — Emile Louis Picault (1833–1915).
Бронза; литьё, чеканка, патинирование; мрамор.
Высота — 79,5 см.
Экспертное заключение: аккредитованный эксперт Международной конфедерации антикваров и арт-дилеров, кандидат исторических наук Л. А. Дементьева.
Замечательная старинная кабинетная скульптура «Наука, направляющая промышленность» («La Science Guidant L’Industrie») — яркая аллегорическая композиция знаменитого французского скульптора Эмиля Луи Пико. Молодой мастер представлен в момент творческого и интеллектуального труда: в одной руке он держит раскрытую книгу с названиями фундаментальных наук, в другой — циркуль, символ инженерной мысли и точного расчета. У ног фигуры расположены атрибуты промышленного производства — чертеж, шестерня, молот и химический сосуд, подчеркивающие неразрывную связь науки и технического прогресса.
Композиция наполнена внутренней динамикой и характерной для искусства конца XIX века верой в силу человеческого разума, знаний и индустриального развития. Скульптор виртуозно передает пластику фигуры, живость позы и тонкую моделировку деталей одежды. Благородное темно-коричневое патинирование эффектно подчеркивает высокое качество бронзового литья и чеканки.
Автор модели — известный французский скульптор Эмиль Луи Пико (Emile Louis Picault, 1833–1915), один из крупнейших мастеров аллегорической бронзы эпохи Belle Époque. Его произведения регулярно экспонировались на Парижском Салоне и пользовались большой популярностью среди европейских промышленников и коллекционеров. Работы мастера сегодня находятся в музейных и частных собраниях по всему миру.
Следует отметить, что данная модель встречается в бронзе крайне редко, что значительно повышает её коллекционную ценность.
Антиквариат. Отличная сохранность. Благородная патина. Следы бытования.
Скульптура кабинетная «Наука, направляющая промышленность» имеет несомненное антикварное и коллекционное значение.
Франция. Париж. Конец XIX века.
Автор модели — Emile Louis Picault (1833–1915).
Бронза; литьё, чеканка, патинирование.
Высота — 66 см.
Экспертное заключение: аккредитованный эксперт Международной конфедерации антикваров и арт-дилеров, кандидат исторических наук Л. А. Дементьева.
Красивая скульптурная композиция из серии «Времена года», аллегория «Зимы». Композиция создана по модели 1748-го года знаменитым скульптором 18-го века Иоганном Кендлером на знаменитой мейсенской мануфактуре, колыбели европейского фарфора. Скульптура отличается сложной компановкой и прекрасной росписью. Антиквариат. Хорошая сохранность. Следов реставрации не обнаружено.
Германия. Мейссен.
Рубеж 19-20-х веков.
Фарфор, роспись надглазурная, полихромная, роспись золотом.
Размер 18,5х12 см.
Высота 17 см.
Общий вес 1.273 гр.
Коллекционная старинная скульптура посвященная теме жизни русского народа «Баба-плясунья». Яркий образец продукции фабрики Гарднерь, первой русской частной фарфоровой мануфактуры основанной еще в 18-м веке Францем Яковлевичем Гарднером. Антиквариат. Хорошая сохранность. В основании отреставрированная трещина около 4 см.
Россия. Село Вербилки. Конец 19-го века.
Фарфор бисквит, роспись надглазурная полихромная. Марка в тесте и надглазурная «красная».
Высота - 20,5 см.
Вес 583 гр.
Скульптура «Качающаяся пагода»
(«Pagodenfigur», «Nodding Pagoda»).
Германия, Саксония, фабрика Potschappel (Дрезден).
Первая четверть XX века.
Фарфор, надглазурная полихромная роспись, золочение.
Марка синяя подглазурная «Dresden».
Высота: 30 см.
Редкая и необычайно декоративная фарфоровая скульптура, выполненная в традициях европейского ориентализма и стиля шинуазри — художественного направления, вдохновлённого искусством Китая и Японии. Модель восходит к знаменитым произведениям выдающегося скульптора Иоганна Иоахима Кендлера — ведущего мастера Мейсенской мануфактуры XVIII века, чьи фантазийные восточные персонажи оказали огромное влияние на развитие европейского художественного фарфора.
Композиция представляет так называемую «качающуюся пагоду» — популярный в Европе XVIII–XX веков тип декоративной фигуры с подвижными элементами. Подобные персонажи создавались как экзотические интерьерные курьёзы и отражали увлечение аристократического общества Востоком. В антикварной среде такие фигуры нередко называют «Смеющимся Буддой» или «Хотэем», однако в действительности они являются скорее фантазийной европейской интерпретацией восточного образа, нежели каноническим изображением японского божества счастья.
Особую редкость и коллекционную ценность композиции придаёт оригинальная механическая конструкция: голова, язык и руки закреплены на скрытых противовесах и начинают покачиваться даже при лёгком прикосновении или вибрации. Подобные механические фигуры пользовались большой популярностью в интерьерах конца XIX — начала XX века и сегодня встречаются значительно реже традиционной кабинетной пластики.
Скульптура отличается виртуозным качеством исполнения и великолепной декоративной отделкой. Гротескная выразительная мимика, крупные декоративные формы и тонкая моделировка лица и рук сочетаются с исключительно изысканной полихромной росписью. Особого внимания заслуживает богатое золочение, мастерски нанесённое на детали костюма и обуви: золотой орнамент подчёркивает пластическую выразительность фигуры, создаёт эффект драгоценности и усиливает роскошный декоративный характер произведения. Цветочные мотивы, яркая палитра эмалей и тонкая ручная проработка узоров демонстрируют высокий уровень мастерства дрезденских художников по фарфору.
Фабрика Potschappel, расположенная неподалёку от Дрездена, входила в число известных саксонских предприятий, специализировавшихся на выпуске декоративного фарфора высокого качества. Дрезденский фарфор начала XX века пользовался международной известностью благодаря утончённой ручной росписи, сложным моделям и виртуозному воспроизведению декоративных традиций эпохи рококо и шинуазри.
Антиквариат.
Хорошая сохранность.
Следы бытования.
Без реставрации.